Huma Bhabha / Alberto Giacometti

L'exposition «Huma Bhabha / Alberto Giacometti» se tient à l'Institut Giacometti du 6 février au 24 mai 2026. Conçue spécialement pour ce lieu, elle confronte l'œuvre de la sculptrice pakistano-américaine Huma Bhabha à celle d'Alberto Giacometti autour de la figure humaine, à travers assemblages, plâtres, bronzes peints et terres cuites.

Deux figures debout inédites dialoguent avec l'Homme qui marche, la Jambe ou les Femmes de Venise, dans un parcours orchestré par la commissaire Émilie Bouvard et le scénographe Éric Morin.

Deux espaces de création, deux rapports au corps Le parcours s'ouvre sur un face-à-face entre deux mondes. Alberto Giacometti n'a jamais quitté son atelier du 46, rue Hippolyte-Maindron, concentrant sa créativité dans à peine 24 m².

Huma Bhabha, installée à Poughkeepsie depuis 2002 avec le peintre Jason Fox, dispose ses sculptures dans un atelier plus vaste et lumineux pour les observer de loin, sous tous les angles. Ce contraste ouvre «Huma Bhabha / Alberto Giacometti» à l'Institut Giacometti sur une question commune aux deux artistes: comment maîtriser la distance entre la sculpture et le spectateur.

Huma Bhabha, So Am I, 2025, liège, polystyrène, argile, fil de fer, os, acrylique, bâton à l'huile, craie et bois Dans le patio, l'Homme qui marche de Giacometti poursuit son avancée. Les pieds d'Untitled de Bhabha restent plantés au sol malgré un corps comme soufflé, comme dans les films de zombies qu'elle affectionne.

À travers la fenêtre, Magic Carpet montre des jambes bottées de caoutchouc posées sur un tapis à fond rouge sombre, référence amusée à la silhouette de Giacometti. L'humanité de leur œuvre commune transparaît ici: une attention à la violence du monde comme à sa tendresse, sans perdre l'ironie noire qui traverse leurs formes.

Les assemblages de Bhabha, bois, plâtre, argile, fil métallique et acrylique, répondent aux plâtres peints de Giacometti. La disparité des composants et la brutalité des manipulations restent visibles: Bhabha ne cherche pas à séduire.

Le visiteur pénètre au cœur d'un échange où la fragilité des matériaux devient résistance des corps.

Quand la sculpture emprunte au septième art Le cabinet d'art graphique expose pour la première fois les planches-contacts du réalisateur et photographe suisse Ernst Scheidegger, où les sculptures de Giacometti apparaissent en extérieur. Les suites d'images évoquent des storyboards.

Bhabha, passionnée de science-fiction et de film noir, y répond par ses pieds marchants photographiés autour de Karachi au début des années 2000, saynètes incongrues posées dans le paysage urbain. Deux films prolongent le dialogue dans le salon Follot: They Live (1988) de John Carpenter et La Belle et la Bête (1946) de Jean Cocteau.

Dans la grande salle, Don't Cast a Shadow (2025), achevée pour l'exposition, se dresse tel un grand blessé. Son corps, comme troué d'impacts, tient encore debout.

Sa tête ronde est attendrissante, comme la simplicité presque naïve des marques qui strient le torse, faisant ressortir les côtes et le nombril. Ce marquage s'inspire des pratiques de scarification dans la statuaire africaine et du réalisme des Bouddhas affamés aux côtes saillantes de la tradition asiatique.

Alberto Giacometti (1901, 1966), Homme qui marche II, 1960, plâtre Focus sur l'œuvre L'Homme qui marche II fait partie des trois plâtres grandeur nature réalisés par Giacometti en 1960, dans le cadre d'un projet de commande pour le parvis de la Chase Manhattan Bank à New York, conçu par l'architecte Gordon Bunshaft.

Ce projet n'a jamais abouti, mais les figures créées à cette occasion, une grande femme, un homme qui marche et une grande tête, sont devenues des icônes de la sculpture du XXe siècle. La silhouette étirée et filiforme, aux pieds massifs semblant s'arracher du socle, condense puissance et vulnérabilité humaines.

Giacometti avait d'abord travaillé le motif de la marche dès 1947 avec un premier Homme qui marche de grande dimension inspiré du modèle égyptien, avant de le reprendre en 1960 dans ces trois versions définitives. Dans l'exposition, cette figure est placée dans le patio de l'Institut, poursuivant sa marche solitaire face aux sculptures de Bhabha dont les pieds restent au contraire plantés au sol.

Noblesse farouche et fragments quasi archéologiques La salle médiane rassemble les figures féminines des deux artistes. Chez Giacometti, la couleur fait ressortir la structure décharnée du corps et lui confère une dimension rituelle.

De près, la peinture souligne les os, les articulations, la maigreur des Femmes de Venise (1956) ou de la Grande Femme (1958). Chez Bhabha, la peinture renforce l'ambivalence sexuelle de ses sculptures.

Féroce, figure féminine créée pour l'exposition, se tient à leurs côtés avec son corps anguleux et son visage comme rongé. Toutes dégagent une noblesse farouche, telles de modernes ménades portées par le souffle de Dionysos.

Alberto Giacometti (1901, 1966), Femme de Venise I, 1956, plâtre peint La dernière salle et le corridor présentent les terres cuites réalisées par Bhabha début 2022, lors d'une résidence à Oaxaca au Mexique. Cuites dans un four traditionnel en plein air, ces neuf pièces sans titre montrent des fragments de corps aux effets chromatiques subtils, nés des variations de température.

Waddah, titre reprenant le nom d'un prisonnier mort à Guantanamo, renforce cette dimension archéologique.