Normes Corps

« Normes Corps » se tient du 3 avril au 13 septembre 2026 au Palais de Tokyo.

Huit expositions y sont réunies, du format rétrospectif à l’intervention in situ qui interroge l’architecture même du lieu.

Le fil rouge de la programmation est le validisme: la saison observe comment les normes de santé et de performance classent et excluent les corps, puis retourne cette logique pour en faire une matière de création.

Un même billet donne accès aux huit propositions et invite à composer sa visite entre métaphore formelle et engagement politique.

Quand la fragilité devient une force partagée La saison est imaginée sous la présidence de Guillaume Désanges, qui en signe aussi le texte d’introduction. Elle part d’un mot précis : le validisme, ce système qui classe les corps selon une norme de santé et de performance.

Il range d’un côté ceux qu’il juge conformes, de l’autre ceux qu’il tient pour déficients. Plutôt que d’en faire un motif d’apitoiement, la saison retourne la perspective : la fragilité y devient une expérience commune, et même une force créatrice.

Il suffit d’un accident, d’une maladie ou de l’âge pour basculer hors de la norme. C’est, rappelle la saison, sans doute la chose la mieux partagée de l’humanité.

Toutes les expositions n’abordent pas le sujet de la même façon : la programmation passe des œuvres les plus abstraites aux plus ouvertement engagées.

Cathy de Monchaux, Pauline Curnier Jardin, Jesse Darling Le Palais de Tokyo présente la première rétrospective consacrée à Cathy de Monchaux, sculptrice britannique, sous le titre « Studio, Wounds and Battles, Desire is the Reiteration of Hope ». Elle réunit une cinquantaine d’œuvres, de 1984 à nos jours, où le velours côtoie le métal, la dentelle de rivets et l’os.

Ses sculptures jouent de la séduction et de la menace, de l’intime au monumental : du panier en forme de barque Dreamboat (1986) à la licorne de métal Bronze unicorn (2025). Cette dernière fait écho à la toute première pièce qu’elle garde, depuis ses années d’étudiante, comme un totem.

Ses titres relèvent d’un travail d’écriture, comme Never forget the power of the tears.

L’accessibilité prise comme matière d’œuvre C’est peut-être le geste le plus frontal de la saison. Invité dans l’espace Païpe, l’un des lieux les moins accessibles du Palais aux personnes à mobilité réduite, l’artiste américain Joseph Grigely en fait le cœur de « This Is Where We Are ».

Sourd, il travaille depuis plus de trente ans sur l’accès : qui entre, qui circule, qui se voit refuser un lieu ou un échange. Il y conçoit ce qu’il nomme une « prothèse d’accès » et fait de l’accessibilité, d’ordinaire reléguée aux marges, un matériau d’œuvre à part entière.

Sa réflexion prend la forme d’œuvres, d’une publication imprimée et de maquettes qui cherchent, par exemple, comment un escalier pourrait aussi faire office de rampe. On y retrouve aussi ses Conversation Pieces : des notes que des personnes entendantes rédigent pour échanger avec lui, recomposées en récits fragmentés.

Benoît Piéron part, de son côté, d’une longue cohabitation avec l’hôpital et, plus récemment, de la découverte de son intersexuation, le fait de naître avec des caractéristiques sexuelles qui échappent aux catégories du masculin et du féminin. Il en tire de quoi métamorphoser salles d’attente et veilleuses en un décor scintillant et désorientant.