Normes Corps

« Norme del Corpo » si tiene dal 3 aprile al 13 settembre 2026 al Palais de Tokyo.

Otto mostre sono riunite, dal formato retrospettivo all'intervento in situ che interroga l'architettura stessa del luogo.

Il filo conduttore della programmazione è il validismo: la stagione osserva come le norme di salute e di performance classificano ed escludono i corpi, per poi rovesciare questa logica facendone materia di creazione.

Un unico biglietto dà accesso alle otto proposte e invita a comporre la visita fra metafora formale e impegno politico.

Quando la fragilità diventa una forza condivisa. La stagione è immaginata sotto la presidenza di Guillaume Désanges, che ne firma anche il testo introduttivo. Parte da una parola precisa: il validismo, quel sistema che classifica i corpi secondo una norma di salute e performance.

Divide da una parte chi ritiene conforme, dall'altra chi considera deficitario. Piuttosto che farne motivo di pietà, la stagione rovescia la prospettiva: la fragilità diventa esperienza comune e persino forza creatrice.

Basta un incidente, una malattia o l'età per uscire dalla norma. È, ricorda la stagione, forse la cosa più condivisa dall'umanità.

Non tutte le mostre affrontano il tema allo stesso modo: la programmazione spazia dalle opere più astratte a quelle più apertamente impegnate.

Cathy de Monchaux, Pauline Curnier Jardin, Jesse Darling Il Palais de Tokyo presenta la prima retrospettiva dedicata a Cathy de Monchaux, scultrice britannica, dal titolo « Studio, Wounds and Battles, Desire is the Reiteration of Hope ». Riunisce una cinquantina di opere, dal 1984 a oggi, dove il velluto convive con il metallo, il pizzo con i rivetti e l'osso.

Le sue sculture giocano con la seduzione e la minaccia, dall'intimo al monumentale: dal cesto a forma di barca Dreamboat (1986) all'unicorno di metallo Bronze unicorn (2025). Quest'ultimo richiama il primo pezzo che lei conserva, dai tempi degli studi, come un totem.

I titoli risultano da un lavoro di scrittura, come Never forget the power of the tears.

L'accessibilità intesa come materia d'opera. Forse il gesto più diretto della stagione. Invitato nello spazio Païpe, uno dei luoghi meno accessibili del Palais per persone con mobilità ridotta, l'artista americano Joseph Grigely ne fa il cuore di « This Is Where We Are ».

Sordo, lavora da più di trent'anni sull'accesso: chi entra, chi circola, chi si vede negare un luogo o uno scambio. Vi concepisce quella che chiama una « protesi d'accesso » e fa dell'accessibilità, solitamente relegata ai margini, un materiale d'opera a tutti gli effetti.

La sua riflessione assume la forma di opere, di una pubblicazione stampata e di modelli che cercano, per esempio, come una scala potrebbe funzionare anche da rampa. Si ritrovano anche le sue Conversation Pieces: appunti scritti da persone udenti per comunicare con lui, ricomposti in racconti frammentari.

Benoît Piéron parte, dal suo canto, da una lunga convivenza con l’ospedale e, più recentemente, dalla scoperta della propria intersessualità, il fatto di nascere con caratteristiche sessuali che sfuggono alle categorie maschile e femminile. Ne trae materia per trasformare sale d'attesa e luci notturne in un ambiente scintillante e disorientante.