Video Games & Music

« Video Games & Music » occupa gli spazi della Philharmonie de Paris dal 2 aprile al 1° novembre 2026.

La curatela associa la musicologa Fanny Rebillard e il giornalista Jean Zeid: immaginano un percorso concepito come un mondo aperto, dove trentanove oggetti, console d'epoca, fotografie e artworks dialogano con 29 giochi giocabili e cinque installazioni collettive.

Postazioni interattive e cabine arcade trasformano il visitatore in ascoltatore-attore: si ascolta giocando, si gioca per udire trame sonore che raccontano mezzo secolo di innovazioni tecniche e poetiche.

Il biglietto d'ingresso dà anche accesso alla collezione permanente del Museo della musica, prolungando la visita oltre il solo percorso videoludico.

Mounir Ayache struttura il percorso in cinque biomi: l'orbita delle leggende, le dune infinite, la metropoli notturna, la canopia tropicale, il vulcano elettrico, ognuno composto da quadri audiovisivi.

Colori primari, tunnel organici, pannelli inclinati e muri di proiezione trasformano le sale in paesaggi digitali: il visitatore attraversa volumi in cui il pixel e l'immagine animata orchestrano la percezione.

Le proiezioni animate firmate La Sagna & Racine avvolgono i dispositivi; fanno della scenografia uno spazio sonoro oltre che visivo e collegano l'estetica del gioco all'architettura interna della Philharmonie.

Opere in risonanza scandiscono il percorso: mosaici 8-bit di Invader, panorami in pixel art di eBoy e altre opere che incrociano arte contemporanea e cultura videoludica.

Chip sonori, sale arcade e nascita di un repertorio Nel 1972 l’ingegnere Allan Alcorn mette a punto i primi suoni di Pong da circuiti stampati. Un segnale funzionale, non una composizione.

Qualche anno basta perché l’integrazione delle chip sonore dedicate trasformi quei bip in melodie riconoscibili: ogni chip impone la sua tavolozza timbrica, dando al gioco la sua firma musicale. 650 scatti in 35 mm realizzati da Ira Nowinski nelle arcades californiane (1981, 1982) Gli altoparlanti delle cabine arcade diffondono questi suoni in sale rumorose e scintillanti dove il videogioco è prima di tutto un’esperienza sociale, vissuta fianco a fianco.

Il fotografo Ira Nowinski ha documentato questa cultura tra il 1981 e il 1982 nella baia di San Francisco, dal Santa Cruz Boardwalk alle arcade di Oakland. Ira Nowinski, Serie Pier 39, 1981, 1982, fotografia analogica, stampa in bianco e nero, 35 mm Le due fotografie in bianco e nero esposte alla Philharmonie mostrano giocatori assorti davanti a cabine arcade in sale piene della baia di San Francisco all’inizio degli anni ’80.

Nowinski, fotografo documentarista americano, ha realizzato questa serie in vari luoghi della Bay Area, tra cui il Santa Cruz Boardwalk e l’Exploratorium di San Francisco, sede di una competizione ufficiale Atari Asteroids. La collezione completa, acquisita dalla biblioteca di Stanford nel 2012, comprende circa 650 immagini in 35 mm.

Come sottolinea Henry Lowood, conservatore delle collezioni di storia delle scienze e tecnologie a Stanford, queste immagini ricordano che il gioco sociale e multiplayer non è sempre stato virtuale o in rete.

Dal cilindro a chiodi al chip sonoro, una filiazione insospettata Il codice informatico prolunga il lavoro dei chip. Il principio del binario, acceso/spento, esisteva già nell’organetto e nella scatola musicale: l’informatica apre prospettive inedite, con alcuni compositori che disegnano manualmente la forma d’onda sonora.

In Giappone, Kōji Kondō crea con Super Mario Bros. (1985) e The Legend of Zelda (1986) melodie immediatamente riconoscibili.

Nobuo Uematsu pone con Final Fantasy (1987) le basi di una scrittura con vocazione orchestrale. La rivalità Nintendo-Sega fa del suono un argomento commerciale, come dimostra la colonna sonora di Masato Nakamura per Sonic the Hedgehog (1991).

Dal 1989, il Game Boy porta queste melodie in tasca, dalla scuola al salotto di casa. Nella sezione « Immersione nel codice », un organetto Ignaz Bruder.