Jo Ractliffe. En ces lieux

Dal 30 gennaio al 24 maggio 2026, il Jeu de Paume dedica una retrospettiva alla fotografa sudafricana Jo Ractliffe. "Jo Ractliffe. In questi luoghi" sviluppa quattro decenni di creazione attraverso dodici sezioni cronologiche. Nata a Città del Capo nel 1961, l'artista indaga i paesaggi plasmati dall'apartheid, dalle guerre regionali e dagli spostamenti forzati. Le sue immagini in bianco e nero rivelano ciò che il territorio conserva quando la violenza smette di essere visibile.

Dalle strade sudafricane degli anni '80 ai giardini comunitari di oggi Il percorso di "Jo Ractliffe. In questi luoghi" al Jeu de Paume guida il visitatore dalle prime fotografie del 1982 fino alle serie più recenti. Questa traversata cronologica svela la costruzione paziente di uno sguardo singolare sul territorio sudafricano e i suoi margini. Le prime sale raccolgono immagini scattate sulle strade del paese negli anni '80. La serie Nadir (1986, 1988) segna una rottura. L'artista vi compone fotomontaggi riprodotti in litografia, popolati da cani randagi, strumenti di controllo poliziesco tanto quanto figure di libertà anarchica. L’atmosfera oppressiva dell’apartheid permea ogni immagine senza che la violenza appaia frontalmente. Jo Ractliffe, Nadir 14, 1988, litografia fotografica serigrafata. Con reShooting Diana (1990, 1999), Jo Ractliffe percorre strade secondarie con una fotocamera giocattolo di plastica. Sfocature e fughe di luce trasformano le periferie in territori enigmatici. Il percorso prosegue in Angola. Terreno Ocupado (2007) immerge nel caos di Luanda, città animata dall’energia dei primi tempi postbellici. As Terras do Fim do Mundo (2009, 2010) esplora il sud del paese in compagnia di ex soldati. Fosse comuni di Cassinga, strade minate, campi deserti: domina il silenzio. The Borderlands (2011, 2013) estende questa indagine a Riemvasmaak, Pomfret e Schmidtsdrift, ex zone di guarnigione. Le serie recenti Landscaping (2022, 2024) e The Garden (2024, 2026) chiudono il percorso. La prima osserva i segni dell’industria sulla costa sudafricana. La seconda documenta giardini creati dagli abitanti, gesti di resistenza e radicamento.

Quando l'assenza diventa motivo centrale di un’archeologia visiva Al cuore della mostra c’è una convinzione: il paesaggio non è mai neutro. Porta con sé la memoria delle violenze passate e degli spostamenti forzati. Jo Ractliffe trasforma il territorio in archivio vivente dove il passato persiste come tracce appena percepibili. L’assenza è motivo centrale di questo approccio. Le immagini non mostrano guerra o repressione frontalmente. Catturano ciò che resta quando l’evento è finito: un terreno incolto, una miniera dismessa, un sentiero che non porta più da nessuna parte. Il visitatore ricostruisce mentalmente ciò che manca. Il senso emerge dal vuoto e dal silenzio. Jo Ractliffe, On the road to Cuito Cuanavale IV, 2010, stampa gelatino-argentica d’epoca. Questa fotografia appartiene alla serie As Terras do Fim do Mundo (2009, 2010), realizzata durante il seguire di ex soldati sulle strade della guerra civile angolana e della «Border War» sudafricana. Cuito Cuanavale fu teatro, nel 1987 e 1988, di una delle più grandi battaglie di carri armati del continente africano. Le forze governative angolane, sostenute da Cuba, affrontarono i ribelli dell’UNITA appoggiati dall’esercito sudafricano. Ractliffe esplora qui ciò che definisce il «paesaggio come patologia»: il modo in cui la violenza passata si manifesta nel territorio presente. Le sue fotografie rivelano echi fantasmatici del trauma in paesaggi dove nulla, apparentemente, tradisce il fragore di un tempo. Da questo dialogo tra immagine e territorio nasce un’archeologia visiva singolare. L’artista non cerca la prova documentale, ma la risonanza: ciò che persiste nella materia del terreno e dei sentieri quando i protagonisti sono scomparsi.

Quarant’anni di ricerca formale al servizio del senso Jo Ractliffe adotta un’estetica sobria e distanziata che percorre tutta la mostra. Il bianco e nero domina, dai fotomontaggi di Nadir alle stampe digitali baryta di Landscaping. Questa monocromia cancella i colori per meglio rivelare texture, volumi e contrasti del paesaggio. Rinforza un senso di estraneità e temporalità sospesa. Le tecniche variano nel corso dei decenni. Litografie e composizioni per Nadir. Diana in plastica, con i suoi limiti voluti, per reShooting Diana. Stampe gelatino-argentiche d’epoca per le serie angolane. Stampe digitali baryta per Landscaping. Questa varietà di procedimenti traduce la ricerca costante di un linguaggio adatto a ogni territorio esplorato. La scelta del mezzo contribuisce al senso: la sfocatura del Diana incarna l’instabilità della transizione democratica, mentre la precisione delle stampe argentiche radica i paesaggi angolani in una realtà documentaria. L’allestimento, essenziale, lascia respirare ogni immagine. Le serie si susseguono senza sovraccarico visivo. Il visitatore deve avvicinarsi per distinguere i segni discreti, un’ombra, una traccia sul terreno, un oggetto abbandonato, che rivelano una storia più ampia. I testi scritti dall’artista accompagnano ogni sezione. Offrono un commento personale sul processo creativo e il contesto delle riprese, evitando spiegazioni didattiche a favore della confidenza. Questa sobrietà formale contrasta con la densità emotiva dei soggetti. Crea una tensione feconda tra trattenimento e intensità. Curata da Pia Viewing, questa retrospettiva trasforma la distanza in strumento di comprensione. Jo Ractliffe, Donkey, Pomfret, 2011, stampa gelatino-argentica.