Jo Ractliffe. En ces lieux

Del 30 de enero al 24 de mayo de 2026, el Jeu de Paume dedica una retrospectiva a la fotógrafa sudafricana Jo Ractliffe. «Jo Ractliffe. En estos lugares» despliega cuatro décadas de creación a través de doce conjuntos cronológicos. Nacida en Ciudad del Cabo en 1961, la artista examina los paisajes moldeados por el apartheid, las guerras regionales y los desplazamientos forzados. Sus imágenes en blanco y negro revelan lo que el territorio conserva cuando la violencia deja de ser visible.

Desde las carreteras sudafricanas de los años 1980 hasta los jardines comunitarios de hoy En el recorrido de «Jo Ractliffe. En estos lugares» en el Jeu de Paume, el visitante es guiado desde las primeras fotografías de 1982 hasta las series más recientes. Este viaje cronológico revela la construcción paciente de una mirada singular sobre el territorio sudafricano y sus márgenes. Las primeras salas reúnen imágenes tomadas en las carreteras del país durante los años 1980. La serie Nadir (1986, 1988) marca una ruptura. La artista compone fotomontajes reproducidos en litografía, poblados por perros callejeros, instrumentos de control policial tanto como figuras de una libertad anárquica. La atmósfera opresiva del apartheid impregna cada imagen sin que la violencia aparezca de frente. Jo Ractliffe, Nadir 14, 1988, litografía fotográfica serigrafiada. Con reShooting Diana (1990, 1999), Jo Ractliffe recorre las carreteras secundarias utilizando una cámara de juguete de plástico. Desenfoques y fugas de luz transforman las periferias en territorios enigmáticos. El recorrido continúa en Angola. Terreno Ocupado (2007) se sumerge en el caos de Luanda, ciudad animada por la energía posbélica. As Terras do Fim do Mundo (2009, 2010) explora el sur del país en compañía de antiguos soldados. Fosas comunes de Cassinga, caminos minados, campos desiertos: reina el silencio. The Borderlands (2011, 2013) extiende esta investigación a Riemvasmaak, Pomfret y Schmidtsdrift, antiguos cuarteles abandonados. Las series recientes Landscaping (2022, 2024) y The Garden (2024, 2026) cierran el recorrido. Una examina los estigmas industriales en la costa sudafricana. La otra documenta jardines creados por habitantes, actos de resistencia y arraigo.

Cuando la ausencia se convierte en el motivo central de una arqueología visual En el corazón de la exposición reside una convicción: el paisaje nunca es neutral. Lleva consigo la memoria de violencias pasadas y desplazamientos forzados. Jo Ractliffe transforma el territorio en un archivo vivo donde el pasado persiste como rastros apenas perceptibles. La ausencia es el motivo central de este enfoque. Las imágenes no muestran ni la guerra ni la represión de frente. Captan lo que queda una vez terminado el evento: un terreno baldío, una mina abandonada, un camino que ya no lleva a ninguna parte. El visitante reconstruye mentalmente lo que falta. El sentido emerge del vacío y del silencio. Jo Ractliffe, On the road to Cuito Cuanavale IV, 2010, impresión gelatina plata de época. Esta fotografía pertenece a la serie As Terras do Fim do Mundo (2009, 2010), realizada cuando Jo Ractliffe siguió a antiguos soldados en las rutas de la guerra civil angoleña y de la «Border War» sudafricana. Cuito Cuanavale fue el escenario, en 1987 y 1988, de una de las mayores batallas de tanques del continente africano. Las fuerzas gubernamentales angoleñas, apoyadas por Cuba, enfrentaron a los rebeldes de la UNITA respaldados por el ejército sudafricano. Ractliffe explora aquí lo que llama el «paisaje como patología»: cómo la violencia pasada se manifiesta en el territorio presente. Sus fotografías revelan los ecos fantasmales del trauma en paisajes donde nada parece delatar el estrépito de antaño. De ese diálogo entre imagen y territorio nace una arqueología visual singular. La artista no busca la prueba documental, sino la resonancia: lo que persiste en la materia del suelo y los caminos cuando los protagonistas han desaparecido.

Cuarenta años de búsqueda formal al servicio del sentido Jo Ractliffe adopta una estética sobria y distanciada que recorre toda la exposición. El blanco y negro domina, desde los fotomontajes de Nadir hasta las impresiones digitales baryta de Landscaping. Esta monocromía elimina los colores para revelar mejor texturas, volúmenes y contrastes del paisaje. Refuerza una sensación de extrañeza y temporalidad suspendida. Las técnicas varían a lo largo de las décadas. Litografías y montajes compuestos para Nadir. Cámara Diana de plástico, con sus límites asumidos, para reShooting Diana. Impresiones gelatina plata de época para las series angoleñas. Impresiones digitales baryta para Landscaping. Esta diversidad de procesos refleja la búsqueda constante de un lenguaje adaptado a cada territorio explorado. La elección del medio contribuye al sentido: el desenfoque del Diana encarna la inestabilidad de la transición democrática, mientras que la precisión de las impresiones argenticas ancla los paisajes angoleños en una realidad documental. La disposición, depurada, deja respirar cada imagen. Las series se suceden sin saturación visual. El visitante debe acercarse para distinguir los indicios discretos, una sombra, una marca en el suelo, un objeto abandonado, que revelan una historia más amplia. Los textos redactados por la artista acompañan cada conjunto. Ofrecen un comentario personal sobre el proceso creativo y el contexto de las tomas, evitando la explicación didáctica en favor de la confidencia. Esta sobriedad formal contrasta con la densidad emocional de los temas. Crea una tensión fecunda entre contención e intensidad. Comisarida por Pia Viewing, esta retrospectiva convierte la distancia en una herramienta de comprensión. Jo Ractliffe, Donkey, Pomfret, 2011, impresión gelatina plata.